Tuve la oportunidad de leer The Bell Jar de Sylvia Plath hace muchos años. Según recuerdo, me conmovió inmensamente emocionalmente. Aunque no puedo recordar los detalles y la trama tan bien, hay un monólogo que todavía está grabado en mi mente hasta el día de hoy. Plath escribe: “La única razón por la que recordé esta obra fue porque tenía un loco en ella, y todo lo que había leído sobre locos se quedó en mi mente, mientras que todo lo demás salió volando”.

Falta todo lo demás menos el tema.

La idea inicial de Squish! se deriva de mi impulso personal de cuestionar cómo se suele representar la depresión en la pantalla y cómo se podría hacer de otra manera. A menudo resulta irónico que las representaciones contemporáneas utilicen la depresión como “sujeto” mientras, paradójicamente, la depresión misma no se encuentra en la representación. A menudo, cuando observo la representación de este tema, me pregunto por qué existe tal sensación de discriminación: ya sea contando una historia en un tono condescendiente, simplificándola excesivamente como si fuera reduccionista y accesible, o incluso racionalizándola en mera investigación científica como un asunto privado. problema de salud mientras que el discurso público lo desautoriza y lo mercantiliza incesantemente. Falta el tema, pero todo lo demás está ahí, y a menudo de manera abrumadora.

En este sentido, Squish! El intento de no es sólo cuestionar la relación entre estética y política, sino también reivindicar el sentido del sujeto, especialmente de los excesivamente reduccionistas: marginados, privatizados e irracionalizados. La idea es desestabilizar la dicotomización de la racionalidad y la irracionalidad establecidas -lo que cuenta como racional y lo que no cuenta como tal- e iniciar la condición inseparable como un nuevo punto de vista contra el juego de poder dado.

Durante el desarrollo del proyecto, también me fascinó el medio de la animación, especialmente las primeras películas animadas y las animaciones que abarcan por completo sus cualidades intrínsecas. Encuentro intrigante cuando la animación se trata como una extensión de la realidad y la racionalidad y cómo implementa enfoques autorreferenciales y autorreflexivos. Por ejemplo, además de estar dibujado de manera poco realista, el movimiento a menudo se hace explícito, manifestando el hecho de que fue creado a partir de múltiples dibujos, siendo reemplazado por un nuevo marco redibujado una y otra vez. En algunas ocasiones, el personaje incluso sale de su marco e interactúa con nuestra llamada “realidad”. Para mí, estas cualidades específicas de lo virtual que propone la animación significan potenciales únicos y subversivos, por ejemplo, para desafiar la gravedad, ser irracional, ser capaz de deformar y transformar, poder animar lo inanimado, etc. Dichos valores catalizan potencialmente formas alternativas de pensar, ver y vivir; posiblemente pueden irracionalizar lo racionalizado, y viceversa.

Junto con el contexto contemporáneo donde las imágenes se desbordan a una velocidad exponencial, volviéndose cada vez más físicas, invasivas y funcionales en nuestra vida cotidiana, la producción de imágenes animadas y generadas por computadora tiende a emplear una estética de alta tecnología impecable y orientada comercialmente que apunta a un mayor realismo. —una especificación prescrita. Los potenciales únicos de la animación a menudo se someten y se obligan a encajar en la(s) lógica(s)/”realidad” establecida; ya sea fijación burocrática, agenda política, protocolo capitalista, etcétera. ¿No es esto una inversión de la lógica virtual a real? (Sin mencionar cómo esta estética general afecta al cerebro al concebir y percibir un sujeto). Por lo tanto, hipotéticamente, lo que parece cambiar es solo la superficie. La parte interior permanece inaccesible, ya que ha sido cubierta por una tentadora piel.

Es trágico presenciar la extinción de estos potenciales en la animación hoy (una vez más, es la potencialidad, no precisamente las técnicas específicas). Ahora, parece que incluso las tonterías tienen sentido, pero el sentido nunca es absurdo. Por aterrador que suene, esto podría implicar que el futuro ya está tomado y diseñado específicamente. En este sentido, ¿la animación todavía da vida o quita la vida? ¿Estamos siendo cada vez más animados, desanimados o, si es posible, ambos?

Desde mi punto de vista, no se trata de cuán nítida, realista, lógicamente física o racional pueda ser la animación, ni tampoco se trata de retroceder en el tiempo y fijarse en la forma antigua. Más bien, es una cuestión de movimiento: ¿se mueve realmente un movimiento? ¿Se está forzando el movimiento a moverse en una dirección predeterminada? De ser así, ¿qué y/o quién lo predetermina y con qué fin? ¿Está corriendo en algún lugar o repetidamente en el mismo lugar en una caminadora? ¿Es el movimiento una especie de bucle continuo? ¿O es solo un montón de papeles en blanco?

Las condiciones de vida en las que la felicidad, el éxito y la buena salud están paradójicamente interrelacionados con la consternación, el odio hacia uno mismo y el agotamiento mental/físico ahora existen tanto en línea como fuera de línea. Mis cuentas de redes sociales de alguna manera saben que mi salud mental ha estado en un estado delicado. Sugieren persistentemente que mire videoclips de ASMR o pruebe aplicaciones de ayuda para dormir. Hoy en día, la noción de autocuidado y trabajo parecen compartir el mismo proceso: explotativamente, la internalización externalizada del autogobierno.